HAN TENIDO QUE PASAR V AÑOS.

Lo sensible es caduco. Todo aquello que
puedo ver escuchar tocar sentir desaparecerá algún día. La pintura se cuarteará y
se secarán los trombones. Las estatuas sé resquebrará y el papel desintegrado perderá la tinta. Caerán las pirámides y se olvidarán los diálogos sobre los escenarios.
Lo sensible es caduco. La verdad es eterna.
Plotino lo sabía.
Lo sensible es caduco. Lo que queda dentro de nuestras cabezas tras contemplar la obra artística es eterno. Por eso volvemos:
a crear y a buscar nuevas creaciones. Y
volvemos a traer a Villena objetos, sonidos
personas luces que puedan traernos el esplendor, el deslumbramiento, la resplendentia. Ese es el sentido.
Os traemos un arte que no es prêt-à-porter, que no cotiza en bolsa. Un arte sin
complejo de Edipo. Un que caza mariposas
con pinceles o partituras, o lo intenta y
convierte en arte esa frustración y ese
esfuerzo. Ese es arte que buscamos, el que
nos acompañará este otoño.
Y os aseguramos que el FIC V trae trabajos artísticos realmente seductores. Y
como de costumbre, los nuevos lenguajes
serán la herramienta de la que se valdrán:
múltiples lenguajes, lenguajes pervertidos por otros lenguajes, lenguajes cuyo
alfabeto se compone de símbolos, luces,
palabras, colores, materiales, sonidos.
Incluso lenguajes que nacerán dentro de
nuestras cabezas al enfrentarnos dialogar
convivir con la cosa, el objeto, la obra
artística.
Todo eso será el FIC V. Y todas estas
personas que lo van a constituir son seres
de luz o de tinieblas que nos ofrecen un pasaporte a nuevos universos, posiblemente no
tan desconocidos. Porque cualquiera puede
sentir la resplendentia que emana de una
propuesta artística. Más allá de la cosa en
sí, de la cosa caduca, sentir el deslumbramiento, la eternidad.
Queremos veros por aquí. Y queremos agradecer sin protocolos el apoyo de artistas,
empresas e instituciones, que suman para
que este Frente de Iniciativas Contemporáneas siga siendo posible. Venid a vernos,
tenemos algo que no os defraudará.

LA TAULA

UNKNOWN ARTIST

La Taula es un espacio de crecimiento para jóvenes creativos.

Somos una cooperativa de emprendimiento donde dos estudios de diseño y estrategia de marca (Brantz. y ZCO respectivamente) con perfiles senior, mentorizan y acompañan a jóvenes recién formados a través de la resolución de casos prácticos reales, encargados por empresas o instituciones.

Además de la organización de los talleres o workshops, la cooperativa tiene como socios integrantes a tres alumnos, los cuales tienen participación de la entidad durante un año, y a los cuales se les hace un seguimiento y formación específicos para que en el plazo de un año estén listos para emprender por su cuenta o consolidar su profesión en otros estudios.

En resumen, talento junior + acompañamiento senior + entidades comprometidas = trabajos espectaculares y nuevas generaciones de profesionales muy capaces.

PACO POYATO

EL MURO INVISIBLE

Paco Poyato (Madrid, 1978) es un artista visual que trabaja en fotografía. La temática de sus obras comparten interés por cuestiones relacionadas con la actual sociedad de consumo y la globalización. Su objetivo es reflejar cómo estos dos conceptos alteran su realidad más cercana. Su trayectoria cuenta con exposiciones individuales que se ubican en el marco de festivales como PhotoAlicante y colectivas entre las que destaca “Un cierto panorama”, ubicada en el marco de PhotoEspaña.

Participa en residencias como el VI Encontro de Artistas Novos Cidade da Cultura, Gaiás, Santiago de Compostela, o el programa de residencias artísticas GlogauAIR, Berlín, gracias a la beca Hàbitat Artístic.

LUIS MACIAS Y ALFREDO COSTA

COSMOLOGÍA ESPECTRAL

Luis Macías es artista, cineasta y compositor de imágenes. Sus obras en formato fílmico súper 8,16mm, 35mm y/o video se componen para proyección, performance o instalación. Sus piezas abordan las propiedades formales y espectrales de la imagen en movimiento, a través de la exploración del propio dispositivo cinematográfico y la naturaleza fotoquímica del medio. Es uno de los cineastas españoles más destacados y con recorrido internacional de la escena experimental contemporánea.

Ha realizado varias exposiciones colectivas e individuales. Ha colaborado con diversos artistas, músicos y cineastas para la creación de obras colectivas.

Co-fundador y miembro activo de Cráter-Lab ,un laboratorio de cine analógico independiente gestionado por artistas – www.cráter-lab.org.

Paralelamente es programador y docente independiente, desarrollando talleres teórico-prácticos especializados en distintas variantes de cine experimental. Actualmente docente en Bande A Part escuela cine, Barcelona y en EQZE, Elías Querejeta Zine Escola, Donosti, y otras.

CON LA COLABORACIÓN DE ALFREDO COSTA.

ALES CESARINI Y PAYOH SOUL REBEL

BLACK MANTRA. FIC JAZZ

El contrabajista Ales Cesarini presenta Black Mantra , una mirada a las diversas formas de entender la música, sin ningún tipo de prejuicios, desde su experiencia en disciplinas como la world music o el reggae, hasta llegar de una forma tangencial al jazz, de gran atractivo y llena de matices. Para ello introduce la magnífica voz y el discurso del cantante Payoh Soul Rebel, como hilo conductor de este especial trabajo.

También aparecen en este proyecto el gusto por la música impresionista de Baptiste Bailey al piano, y la fusión de world music y ritmos mozárabes de David Gadea en la percusión.

MARTÍ GUILLEM

DLIGHT

Martí parece convencido de que ‘el misterio’ está enfrente nuestro, y así nos lo hace ver. Sus descubrimientos creativos nos hablan, de alguna forma, de que desde aquí cerca podemos empezar algo que nos llevará muy lejos. Cuando quiere es un irreverente educado y/o hace cosas muy bellas y/o te muestra la belleza de lo que otros denominan ‘feo’. El placer que él experimenta se percibe y se siente casi como un acto de generosidad a la que te invita a asistir. Martí es de esos artistas en los que en su planteamiento artístico está gran parte del mensaje.Es la sorpresa

CÍA MARROCH

NO LUGAR

Nos situamos en un parking un posible “no lugar” , concepto que ya acuñaba Marc Augé como antropólogo. Lugares que “apenas permiten un furtivo cruce de miradas entre personas que nunca más se encontrarán”. Puede suponer un no-lugar, por aquello de que la gente deposita algo, que más tarde tiene que ir a recoger, nada más no proporciona, nada más. Un no lugar, un tiempo de espera, una relación contractual unida por un simple ticket. Un lugar no habitado.

Hemos querido buscar la manera de habitarlo, escuchando sus aristas, colores, sus perspectivas dándole importancia a diferentes planos, a la idea de estar y no estar, de ser lugar y no-lugar. Jugar en el espacio donde mimetizarnos en un plano más, en un usuario más, un mero elemento. Hemos investigado del transitar al habitar.

Para nosotras el parking en sí supone una escenografía completa, en la cual la perspectiva arquitectónica y su pantone nos ofrece la base de escucha y creación . Intervenimos un parking, no lo recreamos. Nos servimos de él jugando con el movimiento, desplegando planos entre la arquitectura del cuerpo y la del propio espacio. Llevamos el concepto a la acción, al movimiento, a la imagen.

La tridimensionalidad que viene dada por la interpretación de los componentes de Cia. Marroch, queda enmarcada dentro de una bidimensionalidad de planos y colores escénicos enlazados por Las Canadienses. Se abre ante el observador una posible riqueza de puntos de vista, el espectador elige su posición cosa que condicionará su experiencia y lectura de la escena. De este modo cada individuo tendrá de manera individual un propio espectáculo, según la posición que se encuentre recibirá una perspectiva en la que centrará su atención a determinados aspectos narrativos.

LAS CANADIENSES

NO LUGAR

Las Canadienses es un equipo artístico formado por Helena Ferrando y Ana Esteban.

Se definen como intradisciplinares, ya que, su trabajo no se desarrolla en disciplinas puras, sino justo en el espacio que existe entre ellas. No tratan de describir casas o tiendas de campaña, cuerpos o lugares, al contrario, necesitan traspasar los problemas de la descripción para llegar a las virtudes primeras, y así expandirse a su vez, hacia lo desconocido y llegar de algún modo a la función primera de HABITAR.

“Necesitamos el mundo de la duda, de la pura posibilidad, de las fuentes de inquietud y de peligro. El juego, es una de nuestras premisas.  Lo procesual, la vivencia a mostrar sin miedo al etiquetaje o a prejuicios. La entrega a la escucha, es lo que da validez a nuestro desarrollo”.

Analizan el cuerpo como medio de transferencia constante hacia las arquitecturas del espacio y hacia la relación con un Otro.

Los proyectos más actuales son Nomad y Umbral, en los cuales, se observan matices fotográficos, instalativos, escultóricos y performáticos.

“Nuestra pretensión no es abarcar áreas artísticas, es sentir la libertad de comunicación que cada vez viene dada a tenor de las inquietudes”.

ME ENCANTA BAILAR
PERO SE ME DA FATAL

ACCIÓN PARTICIPATIVA
Acción guiada y lúdica de danza participativa para todos los públicos, edades
y movilidades, del Colectivo Dánzate
(Marta Sofia Gallego Sampedro y Andrea
Dolz Burdeos) Es una llamada a la ciudadanía para poner el foco en la realización del proyecto Impuls a la dansa 23,
concedido en Villena.
Con la colaboración del Circuit
Cultural Valencià (IVC).Duración
aproximada 1 hora.

MARÍA DEL MAR SUÁREZ, LA CHACHI

LOS INESCALABLES ALPES, BUSCANDO A CURRITO

En el espacio del flamenco contemporáneo hay un lugar ocupado por María del Mar Suárez La Chachi. Licenciada en arte dramático y danza española, La Chachi nos ofrece Los inescalables Alpes, buscando a Currito. En esta confluencia de baile, cante y música digital, La Chachi expresa con la danza la búsqueda del amor en el siglo XXI, alejado de una consideración romántica. Para la artista, escalar es un símbolo de superación, y el camino de la romería es un símbolo de salvación. Los dos caminos propuestos redimen el cuerpo, los dos hacen jugar con lo inalcanzable. 

Rompedor, intenso, hipnótico, magistral, visceral son algunos de los adjetivos que el espectáculo ha ido cosechando allí donde se ha presentado. Es evidente que La Chachi se ha colado ya por derecho propio en esa tendencia reciente de ruptura y revalorización del flamenco siguiendo la línea de otros artistas como El Niño de Elche, Israel Galván o Rocío Molina.
Los inescalables Alpes recibió el Premio Godot 2022 a Mejor Espectáculo de Danza.

María del Mar Suárez, la Chachi, desde su primer espectáculo estrenado en 2017 ha obtenido diversos galardones y reconocimientos como 3 premios PAC 2017 y Premio Lorca 2018 de Teatro Andaluz en la modalidad de mejor intérprete femenina de Danza Contemporánea. Los inescalables Alpes. Buscando a Currito es su más reciente creación.

SILLA VERDE/CADIRA VERDA

Silla verde / Cadira Verda, es una propuesta contemporánea que hace uso de la multidisciplinariedad de sus integrantes para
hablar del concepto de educación actual,
las frustraciones que aparecen en el camino
de un proceso de creación y de la necesidad
de aprobación constante como artista; El
fracaso es el motor de esta pieza.
La ficción se mezcla con la realidad del
proceso de creación, en la que distintos
lenguajes como el teatro textual, la danza,
el audiovisual y la performance conviven.
Desde el equipo de silla verde hemos llegado
a una conclusión: La vanguardia no tiene
por qué estar reñida con el humor.

MANOLO SOLER

KANVYS-EXPERIMENTAL

Llevo trabajado con 3d mas de una década, tras tocarlo de manera autodidacta 3ds 2, 3ds Max … para diversos proyectos multimedia, volé a Palma de Mallorca para hacer el master ISCA.

Al acabar este, me fui a EEUU a trabajar en un pequeño estudio llamado PalmaVfx situado en San Francisco. Durante el tiempo que estuve en este estudio, mas de 3 años, trabajamos sobre todo para cinemáticas de videojuegos, principalmente para EA (Lord of the Ring, 007, EA Sport).

Tras volver de Estados Unidos continué trabajando desde España para Palma VFX durante un tiempo más, colaborando con ellos en la realización de cinemáticas para videojuegos.

En 2007 trabajé para PIXOMONDO Alemania, en la película “El Barón Rojo”, desempeñando labores de Iluminación y VFX principalmente.

Después de Alemania la verdad es que por motivos personales dejé un poco a un lado el trabajo aunque tuve pequeñas colaboraciones con diversos estudios como Palle TV, UFA Cinema y Palma VFX.

Desde el 2010 hasta el 2016, estuve creando visuales para VJs, siendo el creador de todos los visuales para Steve Aoki y Joachim Garraud durante esos años.

Con esta experiencia durante los años 2017 y 2018 entre a formar parte de un proyecto europeo, en el que se desarrollo un software grafico especial para VJs.

Desde el 2018 he estado centrado en la producción audiovisual, creando varios spots, videos corporativos y documentales. Desarrollando las labores de artista pluridisciplinar, llevando la producción desde la toma de imágenes hasta su edición y su posterior postproducción.

A la vez, como piloto de dron, me dedico a la toma de imágenes aéreas tanto en vídeo como en foto y la toma de imágenes para fotogrametría.

DIMASLA

EL LUGAR DEL TIEMPO. ANOTACIONES PARA UN PAISAJE

Su trabajo revela un tiempo vivido a través de la planitud de la pintura. Su inspiración surge de la observación, pensamientos y sentimientos sobre las pequeñas cosas de la vida cotidiana. Acontecimientos que conducen a una interacción profunda con el contexto a partir de la situación personal, transformando sus hábitos cotidianos en acciones performativas que intensifican las circunstancias de la vida ordinaria, para llegar a una experiencia estética de lo común. De este modo, las obras de DimaslA surgen como testimonio de una situación concreta, donde el color, la materia, la espacialidad, o la ausencia de estas, evoca la experiencia sensorial por medio de la presencia sencilla de la resistencia. DimaslA también combinan una variedad de referencias e influencias históricas del arte.

Desde Joseph Beuys y su afirmación sobre los procesos de vida pueden entenderse como acto creativo, hasta los métodos de azar en el proceso de trabajo de John Cage, pasando por las pinturas de acción de Klein, la planitud del expresionismo abstracto, el reduccionismo del Minimal Art o la pintura monocroma como presencia real del objeto artístico.

ROICE 183

CARA A LA PARED II

Nacido el 25 de Noviembre de 1983 en la ciudad levantina de Elche, Roice 183 tiene una trayectoria de más de dos décadas en el mundo del graffiti. Su pasión por el movimiento hip hop de los años 90 lo llevó a comenzar a pintar a la temprana edad de 11 años, inspirado por el floreciente ambiente que se estaba desarrollando en colegios y parques en toda la Península. Más allá de su trabajo en la calle, que nunca cesa, Roice 183 ha explorado nuevas formas de expresión que lo han llevado a descubrir nuevos lenguajes para su arte.

Ahora se aventura en pinturas que presentan formas abstractas en las que parecen insinuarse figuras un poco más precisas, estableciendo así un diálogo visual único. En su pintura, emerge un tejido de historias entrelazadas, donde cada pincelada y elemento parece sugerir la existencia de otras obras dentro de la totalidad. Invitando al espectador a contemplar su obra de manera pausada y reflexiva, desentrañando gradualmente nuevos significados que coexisten con los aspectos más evidentes.

AMANDA BERNAL

VISUAL TRUST. ANTROPOLOGÍA VISUAL

Amanda Bernal es antropóloga, fotógrafa, facilitadora visual y gestora cultural. Es licenciada en Bellas Artes, con másteres en antropología y gestión cultural y estudios en fotografía participativa e imagen. Bernal es investigadora social de la imagen en el proyecto ERC Visual Trust donde, en el contexto de su tesis doctoral, investiga cómo se genera la (des)confianza en la fotografía y el cine documental. Sus investigaciones recientes involucraron las relaciones entre la fotografía y la salud durante la pandemia de Covid-19 desde la perspectiva del personal sanitario y sus expresiones en imágenes.

Es codirectora de la plataforma y festival de fotografía LUMÍNIC, en Sant Cugat del Vallès, realizando tareas de dirección, comisariado y producción, entre otras. Bernal también es facilitadora en fotografía participativa y mediación artística para personas en riesgo de exclusión social y participa en congresos, festivales y jornadas de antropología, fotografía, pensamiento contemporáneo y poesía.

IURY LECH

( Ucrania / España )

Reconocido artista transdisciplinar que ha desarrollado su creatividad durante las últimas cuatro décadas en los ámbitos de la música, videocreación y la literatura, siendo uno de los pioneros en el panorama español audiovisual electrónico y digital que en los años 80 comenzó a desarrollar obras de video arte y performances musicales acompañadas de un apoyo visual. Sus performances y piezas de videoarte se han exhibido en Art Futura, Sonar, ISEA, Ars Electrónica (Austria), Festival Videoformes (Francia), Festival de Nuevas Músicas (Madrid y Sevilla), Ciclo Experimental LEM (Barcelona), Knitting Factory (Nueva York), The Korner (Taipei), Festival Pop Komm (Colonia-Alemania), Festival Experimenta (Madrid), Festival DAFT en Taipei (Taiwán), ART BEIJING, Festival EXIS de Seúl (Corea del Sur), JMAF (Tokio, Japón, el Museo Hong-Gah de Taipei, en el festival Ósmosis (Taiwan) o en el Artefact:Chernobil 33 (Kiev-Ucrania). En el 2009 funda y dirige hasta la fecha MADATAC, la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Ácontemporaneas de Madrid.

NICOLE KOUTS

(Brasil)

Artista multimedia e investigadora. Trabaja las imágenes como medio de transporte de creencias ancestrales a tecnologías contemporáneas, mediadas por combinaciones analógico-digitales y por fantasmagorías del yo y el infinito en espacios virtuales.

Su interés por la arqueología de los medios y la resignificación de los materiales parte de un referencial imaginario autobiográfico, como nieta de inmigrantes, criada en Brasil, Grecia e Internet. Su obra audiovisual se ha exibido en los festivales de videoarte y arte audiovisual alrededor de todo el mundo.

AUJIK

( Suecia / Japón )

Artista multidisciplinar y director de arte de los nuevos medios radicado en Otsu, Japón. Sus medios de expresión abarcan desde la animación 3D, la Realidad Virtual y Aumentada, las Instalaciones, la Fotografía, el Diseño Textil, la Composición Musical hasta la Producción de Creaciones Sonoras. AUJIK es un concepto creativo y artístico iniciado en 2001 por Stefan Larsson, nombre real del artista que nació en Suecia pero vive y trabaja en la ciudad de Otsu (Japón). Ganador de los Premios internacionales de prestigio como Prix Ars Electronica, Japan Media Arts Festival, Animago y Screengrab.

Sus trabajos multimedia se han exhibido internacionalmente en festivales como Prix Ars Electronica 2011, Onedotzero London en BFI Southbank 2011/2013/2016, SIGGRAPH Asia, CMoDA Beijing, Biwako Biennale 2012 y 2014, Japan Media Arts Festival 2010/2015. Su trayectoria profesional y presencia mundial en el mundo del arte digital es indiscutible.

DAGMAR SCHÜRRER

(Brasil)

Artista austriaca de los nuevos medios digitales que reside en Berlín, Alemania. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Arte y Diseño de Central Saint Martin en Londres, Reino Unido. En su práctica artística, ensambla objetos y animaciones generados digitalmente, texto y sonido para formar intrincados montajes de video y sonido, que evocan la pintura, el collage o la poesía.

Siempre desplegándose en variaciones cambiantes, se presentan en la pantalla, como instalaciones o combinados con nuevas tecnologías como la realidad aumentada (AR). Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, entre otros en New Contemporaries en ICA London, Moscow Biennale for Young Art, Centre Pompidou Paris, Haus der Kulturen der Welt Berlin, Louvre Auditorium Paris, Transmediale Vorspiel en Berlín y el Museo de Residuos. en Changsha China.

YOSHI SODEOKA

(Japón)

Artista y músico referente del Arte Digital nacido en Japón que ha estado produciendo proyectos artísticos desde principios de la década de 1990. En 1989 se mudó a la ciudad de Nueva York para estudiar arte y diseño en el Pratt Institute. Su obra de arte digital ha aparecido en numerosos DVD, festivales de cine, galerías de arte y en exposiciones en entidades como el Museo Whitney de Arte Americano, Turbulence.org, Creative Time’s Holiday Light Shows en Grand Central Terminal y OFFF Festival en España. Además, Sodeoka ha dado numerosas conferencias sobre el tema del arte y el Diseño Digital y ha sido jurado de premios de diseño para Webby Award, Art Director’s Club, One Club, Society of Publication Designers y MOV Festival organizado por Shift Japan.

Ha sido articulista colaborador de la revista Artbyte en la que escribió una columna bimensual sobre la cultura digital clandestina y el director de arte y fundador de Word Magazine, una de las publicaciones electrónicas más antiguas e influyentes de la Web, que se lanzó en 1995. Su trabajo se encuentra en las colecciones permanentes de los Museos de la Imagen en Movimiento de Nueva York y San Francisco, entre otros muchos.

DIRK KOY

(Suiza)

Cineasta y artista de gráficos en movimiento nacido en la ciudad de Basilea (Suiza). En su trabajo utiliza diferentes tecnologías como drones, animación 2D y 3D, fotogrametría, AR y VR para crear imágenes digitales en movimiento, combinando diseño gráfico con vídeo y animación. Investiga la interfaz entre la realidad y la virtualidad, alterando las expectativas de enfoque y perspectiva del espectador. Graduado de la Academia de Arte y Diseño de Basilea (HGK Basel) donde estudió Comunicación Visual, Koy trabajó en KMS-Team Munich en gráficos e imágenes en movimiento en 2003 – 2005. Durante este período estuvo involucrado en el desarrollo del diseño corporativo de medios cruzados para Porsche Design, aclamado por ADC Deutschland y ganador de un premio Red Dot Communication.

Ha expuesto en el Art Center Nabi de Seúl, en la HeK (House of Electronic Arts) Basel, en el festival Supernova de Denver y en el FILE Festival de Sáo Paulo. En 2019, recibió el premio Basel Media Art. Su influencia y proyección internacional en los circuitos de arte digital, animación y audiovisual son incuestionables junto a un estilo reconocible que es único y se ha convertido en una referencia.

PAULA ZAMORA

CÓMO ( NO ) LEER UNA OBRA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Cineasta y artista de gráficos en movimiento nacido en la ciudad de Basilea (Suiza). En su trabajo, Paula Zamora, utiliza diferentes tecnologías como drones, animación 2D y 3D, fotogrametría, AR y VR para crear imágenes digitales en movimiento, combinando diseño gráfico con vídeo y animación. Investiga la interfaz entre la realidad y la virtualidad, alterando las expectativas de enfoque y perspectiva del espectador. Graduado de la Academia de Arte y Diseño de Basilea (HGK Basel) donde estudió Comunicación Visual, Koy trabajó en KMS-Team Munich en gráficos e imágenes en movimiento en 2003 – 2005. Durante este período estuvo involucrado en el desarrollo del diseño corporativo de medios cruzados para Porsche Design, aclamado por ADC Deutschland y ganador de un premio Red Dot Communication.

Paula Zamora ha expuesto en el Art Center Nabi de Seúl, en la HeK (House of Electronic Arts) Basel, en el festival Supernova de Denver y en el FILE Festival de Sáo Paulo. En 2019, recibió el premio Basel Media Art. Su influencia y proyección internacional en los circuitos de arte digital, animación y audiovisual son incuestionables junto a un estilo reconocible que es único y se ha convertido en una referencia.

LUIS GIMÉNEZ

THE UNKNOWN SPANISH LEVANT

Luis Giménez, artista valenciano combina la música del levante español y su circulación histórico/cultural con regiones de Asia, África, Europa y Latinoamérica donde ha residido como profesor de etnomusicología en universidades/compositor durante las dos últimas décadas.

En su trayectoria artística cabe destacar la publicación de dieciséis discos y múltiples colaboraciones dentro de la World Music: Mariem Hassan/Sahara Occidental, Mazaher y el grupo de Zar de Abu Gheit/Egipto, Ahmed Muktar/Iraq, Du Jiazen/China, Hope Masike/ Zimbabwe, Ramata Diakite/Mali, Sol de enverano y el grupo Sikisiri/Mexico o Madosini/Sudáfrica entre otros/as.

ABRAXAS

El proyecto ABRAXAS nos ofrece un espec
táculo músico experimental acompañado deproyecciones visuales.
Abraxas es un potente proyecto totalmen
te independiente y autogestionado a me
dio camino entre la música electrónica, la
reflexión filosófica y el activismo políti
co-social. Su principal objetivo es sacu
dir cuerpos y mentes difundiendo mensajesde autocrítica individual y social desde elpunto de vista de la dualidad, los extremosy las contradicciones, inherentes al serhumano y a la sociedad capitalista. Todoello acompañado de un atronador y corrosivodirecto audiovisual.»Dancing as an act of rebellion” es
el primer (doble) LP en Soil Records. Cuen
ta con dos ediciones especiales limitadas(una Molotov de tan solo 50 copias). Unarecopilación de las primeras grabacionesdel proyecto más algunos temas inéditos
y, además, un segundo disco de otros ar
tistas de la escena electrónica darkwave:Geistform, We Are Not Brothers, Ober Dada,Melting Dogmas, SMforma , HBK1, José Rodríguez,SOJy PanDemian.

ALESA DJ

Alesa Dj es una alcoyana que representa el eclecticismo y el buen gusto a la hora de pinchar. Enamorada de la música desde muy joven decidió bucear en la diversidad de estilos y emplearla para expresar su amor por la música.

Desde el punk a la electrónica, pasando por el pop, el rock, llegando hasta el soul o el bogaloo… cada una de las sesiones de Alesa DJ se convierte en una sorpresa adaptada al lugar y público que la escucha. En la actualidad más interesada en la electrónica, mezclando techno, nu disco, indie dance, italo disco y empezando a producir sus propios temas. Su actividad la ha llevado a participar en el Vida Club en la edición del 2021 del Vida Festival (en el que repite este 2022), ha sido elegida durante dos años como dj en el Visor Fest (en el que participará este 20220).La hemos podido ver repetidas veces en Sidecar (Barcelona), en Café La Palma (Madrid), en la Sala El Sol (Madrid), en las fiestas Flechazo compartiendo cabina con eme DJ, adrián le Freak, Thirteen Dj, sergio lagartija… El 2021 y 2022 han sido su confirmación como dj de electrónica participando en la fiesta Sputnik Club en la mítica Sala Siroco (Madrid) y actuando junto con el colectivo electrónico madrileño Rastro Live en su fies- ta de los domingos en la renombrada Sala El Sótano (Madrid) compartiendo cabina con Xácome y simón García. También la hemos podido disfrutar en una de las salas más un- dergrounds de la capital como es Oficina42 compartiendo noche con el gran David Kano.

NATINO SUSHI

Natino Sushi, con raíces ancladas en los métodos 100% japoneses nace después de que Natan, el chef propietario, ascendiera a Jefe de cocina en el restaurante Yashin Sushi Bar en Londres, dirigido por Yasuhiro Mineno y Shinya Ikeda, y decidiera traer a Villena la comida japonesa más tradicional.

Con ganas de seguir sorprendiendo a aquellas personas que quieran vivir en casa una verdadera experiencia japonesa.